Kunst der Erfahrung 2020

Seit John Deweys Diktum von 1934, dass „die Existenz der Kunstwerke zur Behinderung einer Theorie über sie geworden“ sei, hat das Motiv der ästhetischen Erfahrung einen Siegeszug in der Philosophie angetreten. Die Diskussion war dabei durchaus kontrovers, und zwar sowohl in Bezug auf die Frage, wovon überhaupt die Rede ist, als auch hinsichtlich dessen Bewertung: Geht es um eine bestimmte Haltung? Einen Zustand? Ist ästhetische Erfahrung einfach die Art, wie Kunst erfahren wird? Oder eine Erfindung von Philosophen? Macht sie uns besser, tiefer, differenzierter, fordert sie unsere Kategorien heraus, verändert uns selbst und unser Verhältnis zur Welt? Oder ist sie die ideologische Garnitur, die uns mit dem Bestehenden versöhnt? Und, neuerdings, lässt sich ästhetische Erfahrung messen?

Christian Grüny hat Philosophie und Linguistik in Bochum, Prag und Berlin studiert, in Bochum promoviert und sich in Witten/Herdecke habilitiert. Die Auseinandersetzung mit der Philosophie Theodor W. Adornos und der Phänomenologie führte ihn in zwei ganz unterschiedliche Richtungen: zum einen zum Versuch einer Phänomenologie des Schmerzes und der Beschäftigung mit Gewalt und Folter, zum anderen zur Ästhetik und Musikphilosophie, in der er sich bis heute vorwiegend bewegt.

Transdisziplinäre Forschung wird hochgelobt. Tatsächlich so zu arbeiten bedeutet oft Skepsis von allen Seiten, denn Wissenschaft wird auch heute meist disziplinär gedacht. Kunst bekommt in quantitativer Kunstpsychologie nicht die Komplexität eingeräumt, die sie mit sich bringt. In den Künsten hingegen wird eine Entzauberung befürchtet, wenn man sich ihr mit objektiven Kriterien nähert. Dahinter verbirgt sich unter anderem der Grundgedanke von Kunst hier und Wissenschaft da.

Kerstin Schoch ist Bildende Künstlerin, Kunsttherapeutin und Psychologin. Sie promoviert an der Universität Witten/Herdecke und ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Hochschule für Künste im Sozialen, Ottersberg. In ihrer Forschungsarbeit verbindet sie psychometrische Methodik mit kunstwissenschaftlichen Inhalten. Sie entwickelte und validiert ein Ratinginstrument zur quantitativen Bildanalyse, das Psychologie und Bildende Kunst neu miteinander verknüpft.

Sie gibt Einblick, wie sie zu diesem Promotionsthema kam, welche Hindernisse und Chancen sich auftun und welche Rolle Open Science, Feministische Forschung und Postdisziplinarität dabei spielen. In jedem Fall wird es ein Plädoyer für Perspektivenvielfalt und postdisziplinäres Denken.

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Im Modus des „Research in the arts“ (Borgdorff) werden anhand Giacinto Scelsis Werk für Viola solo mögliche Ansätze Künstlerischer Forschung skizziert, die eine musikalisch-interpretatorische Arbeit sowie philosophisch-ästhetische Auseinandersetzungen umfassen. Das zentrale Motiv liegt dabei in der Ausarbeitung der Rolle des Hörens als Forschungsinstrument.

Zum Video "Selbstbewusstsein des Klangs - Improvisation" auf Vimeo.

Weitere Infos auf der Homepage von Johanna Lamprecht

Musik hat in sich eine Wirkung - unabhängig von musiktherapeutischen Handlungen bzw. einem musiktherapeutischen Prozess. Öfter wird Musik und Sprache in dem Sinne verglichen, dass, wenn sich etwas mit Sprache nicht ausdrücken lässt, man es mit Musik auszudrücken vermag. Nonverbale Kommunikation mit ästhetischen Medien wie beispielsweise mit Musik kann neben Sprache als eine eigenständige Kommunikationsform, ein symbolisches System oder als ein komplementäres Kommunikationsmittel fungieren. In einem kommunikativen Austauschprozess kann mit nonverbalen Kommunikationsmitteln gegenseitige Verständigung und Verstehen möglich werden und darüber hinaus kann es sogar Auswirkungen auf unser Sozialgefüge geben, weil ein Hineinversetzen in die Position des Gegenübers erleichtert, ermöglicht werden kann, auch Stimmungen und Sorgen der Anderen erfahrbar werden. Musiktherapie arbeitet mit vielen Indikationen. Die Wirkung der Musik zusammen mit einer therapeutischen Handlung kann bei Klient/innen auf vielfältige Weise wirksam sein werden, die verschiedene physische, psychische, emotionale, soziale, verhaltensbezogene, kognitive, kommunikative und / oder spirituelle Bedürfnisse und Herausforderungen haben. Die Rolle der Musiktherapeuten ist es, Klienten dabei zu helfen, die angestrebten Behandlungsziele zu erreichen. Die Arbeitsfelder der Künstlerischen Therapie sind u.a. im Arbeitsbereich der Psychiatrie angesiedelt und dort beispielsweise auf Rehabilitation und Re-Sozialisation ausgerichtet.

Dr. phil. Christian Besch arbeitet im Bereich kultureller, ästhetischer Förderung, Therapie und Rehabilitation in musiktherapeutischen, pädagogischen und sozialen Arbeitsfeldern einschließlich des Bereichs der Inklusion mit multimorbiden Klienten internationaler Provenienz aus verschiedenen Kulturkreisen und sozialen Schichten in einer psychiatrischen Klinik.

„Der Tanz findet den Traum. Das Ungestaltige des Raums wird nun geformt, wird auf einmal Leib: im Streicheln der Hände durch die Luftfinger, im verhaltenen Schreiten oder im Wiegen der Hüfte.“

Das Gehen als Methode und Theorie. Von Einflüssen umgeben bewegen wir uns durch diese Welt. Wenn all das um uns herum wirkt, wie wirken wir mit? Ohne Gesprochenes öffnet sich die Welt, mit der Sprache rahmen wir es ein. Ein Schritt als verbindendes Glied, zwischen dem Ich und der Welt. Lose Assoziationskonstruktionen. Dann Zwischenräume in der Stadtstruktur - das Potential des Ungeplanten.

„Aus der Bewegung entdeckten wir die Seele. Seele ist Bewegung.“[1] Wann wird eine Bewegung zum Tanz? Wann ist Bewegung durch den Raum pragmatisch, wann spielerisch? Wie verändert sich mein Stadt-Bild durch die Art meiner Bewegung? Guy Debord und die Situationistische Internationale haben bereits in den 50er und 60er Jahren mit ihrer explorativen Stadtforschung den Begriff Psychogeographie geprägt. Die Korrelation zwischen Denkbarem, Neuronen, die experimentelle Verbindungen eingehen, um ihr Netzwerk auszuweiten, und der Bewegung durch die Stadt, welche in ihrer Struktur Haupt- und Nebenstraßen, Verkehrsinseln und Gebäudelücken, Löcher und Türme hervorbringt.

[1] Bense, Max: Raum und Tanz. In: M.B.: Raum und Ich. Eine Philosophie über den Raum. Ausgewählte Schriften in vier 1 Bänden, Stuttgart/Weimar: Metzler, 1997. S. 61.

Zu den Personen: Lukas Ishar beschäftigt sich mit dem, was ihn umgibt.

Lucas Kalmus hat Freie Kunst in den Klassen von Asli Serbest und Rosa Barba in Bremen studiert. Seine explorative und theoretische Auseinandersetzung mit dem öffentlichen Raum war bereits als Semesterkurs an der Hochschule für Künste Bremen und anlässlich der 7. internationalen Sinop Biennale 2019 auf der Peninsula im Schwarzen Meer antizipierbar. Seit 2020 studiert Lucas Kalmus an der Sint-Lucas School of Architecture in Brüssel

Zum Workshop: Die Ästhetik des Anschauens[1] ist wie eine Eintrittspforte in das Gelände des Ersehens und Erfahrens eines Kunstwerks. Das Anschauen als Tätigkeit wird selbst schöpferischer Prozess; es bekommt Bedeutung sowohl für das Werk als auch für den Betrachter. Wie bringt mich die Betrachtung eines Bildes innerlich in Bewegung? Wie ein Zweig, ein Bachlauf, die Natur?
"Bewegung liegt allem Werden zugrunde" (Paul Klee) - und was tritt in unsere Wahrnehmung, wenn wir unser Sehen selbst in Bewegung bringen?
Die Ökologie zu verstehen erfordert unter anderem ein sehr lebendiges Wahrnehmen und Denken. Ein Denken, das in der Lage ist, die Ganzheit der Natur und das schöpferische Prinzip zu begreifen oder zu erahnen.
Mit Übungen der Wahrnehmung an Formen, Farben und Bewegungselementen erforschen wir in diesem Workshop die Tätigkeit des künstlerischen Anschauens und suchen die Begegnung mit der Lebendigkeit der Natur.

Zur Person: Ich studiere Klinische Psychologie und Psychotherapiewissenschaft (M.Sc.) an der Universität Witten/Herdecke im letzten Semester. Ich arbeite beim Integrierten Begleitstudium für Spirituelle und Anthroposophische Psychologie, und forsche zu künstlerischen Ansätzen in der Psychologie mit Schwerpunkt Wahrnehmung und Naturwahrnehmung. Im Kern meiner Ausbildung steht dabei die Mitwirkung an internationalen, sozial-künstlerischen Initiationswochen für junge Menschen in Deutschland und Gambia.

[1] nach Michael Bockemühl, ehemaliger Kunstwissenschaftler und Wahrnehmungsforscher an der UW/H

Was bedeutet es einen Körper zu haben? Was bedeutet es Leib zu sein?
Was bedeutet es in einem lebendigen Organismus zu leben?
Was bedeutet es vergänglich zu sein?
Was bedeutet es in meinem Körper in Interaktionen zu treten?
Was bedeutet es mit meinem Körper allein zu sein?
Mit meinem Körper
In meinem Körper

Wenn der Körper spricht
Der Körper im Tanz. Spüren. Bewegen. Unser eigener Körper.
Tanz wird Erfahrungsraum. Schauen. Anfangen zuzuhören. Unserem eigenen Körper.

Meinen Körper zu bewegen und ihm und mir in der Bewegung zu begegnen berührt mich immer wieder aufs Neue. Ich darf erfahren, wie es ist, wenn mein Körper anfängt zu sprechen, Geschichten zu erzählen, die ich noch gar nicht kenne oder vergessen hatte. Eine Bewegung löst eine nächste aus, mein Körper beginnt ein Assoziationsspiel, ein Gespräch. Mit sich, mit mir und hin und wieder auch mit anderen Körpern. Ausgehend von diesen Erfahrungen beginne ich zu forschen und zu lernen. Auf meinem Weg haben mich dabei bis jetzt ganz verschiedene Tanzstile, Contemporary und Contact, Tanztheater sowie Physical Theatre, Butoh/Nò und die Arbeit mit Emotionen begleitet und geprägt. Ich forsche und lerne weiter, in Selbstwahrnehmung und Achtsamkeit, in jeder einzelnen Bewegung und ihrer Resonanz. In diesem Prozess von und mit anderen Menschen zu lernen ist für mich ein großes Geschenk.

Kontaktdaten

E-Mail: h-kuemper@web.de

Instagram: hannahemma._

Zum Workshop: Wir starten mit einer interaktiven, sinnesbasierten Einführung in mein künstlerisches Arbeiten. Der Schwerpunkt liegt auf Kunstwerken zum Thema Naturverbundenheit / Umweltkrise. Anhand von Beispielen kommen wir in einen Austausch über ihre psychologischen Dimensionen. Schickt mir (mail@juliansagert.de) im Vorfeld gerne einen Impuls, was euch an der Schnittstelle von Psychologie und Kunst interessiert. Euer Interesse wird in die Workshopgestaltung einfließen.

Zur Person: Julian Sagert (*1991) studierte bildende Kunst (Meisterschüler) an der Universität der Künste Berlin / Central Saint Martins College London und Psychologie (M.Sc.) an der Universität Potsdam / Université Paris Nanterre. Als Stipendiat wurde er vom Cusanuswerk gefördert, nahm an Ausstellungen im In- und Ausland teil (u.a. Berlin, London, Palermo, Teheran), erhielt 2019 das Tandemstipendium des Umweltbundesamtes und ist Mitglied im Wandelwerk Umweltpsychologie. Aktuell befindet er sich in der Ausbildung zum psychologischen Psychotherapeuten. Website: www.juliansagert.de

Zum Workshop:

Welche Form nimmt der Körper an, wenn ich ihnen von innen heraus ertaste?

Um dieser Fragestellung nachzugehen, lege ich mich auf den Boden und auf mich einen Zeichenblock. Mit dem Schließen meiner Augen versuche ich meine äußere Körperform zu

„vergessen“ und sie das reine Spüren durch das Lenken meiner Aufmerksamkeit zu ertasten. Mit einem Bleistift gehe ich diesen Formen nach. Das Gefühl von Druck, Ziehen, Kitzeln gilt mir als Hinweis.

Beim Zeichnen einer äußeren Form entsteht das Bild durch das Zeichnen von Schatten und Linien als Andeutung von Grenzen. Anders gesagt, betont man in der Zeichnung einer äußeren Form das, was das Auge nicht genau erfassen kann (also da, wo kein Licht hinfällt oder die Perspektive ein dahinter schauen nicht ermöglicht).

Schließe ich nun meine Augen und zeichne blind auf dem Papier, was auf meinem Bauch liegt, betone ich mich dem Bleistift besonders das, was ich intensiv spüre. So kann ein Oberschenkel manchmal nur als eher ründliche, kleine Form wahrgenommen und dargestellt werden. Es stellt sich als schwierig heraus, Körpergrenzen zu erfahren und Empfindungen zu verorten.

Als Hilfestellung verwende ich häufig die Achtsamkeitsübung „Bodyscan“. Dabei wird die Aufmerksamkeit nacheinander auf verschiedene Bereiche des liegenden Körpers gerichtet, beginnend beim kleinen linken Zeh, endend beim Kopf.

Diese Art der Erforschung würde ich gerne mehr in den Austausch mit anderen Interessierten bringen. Seit dem Frühjahr dieses Jahres habe ich Hanna Sander, die den Kongress „Kunst der Erfahrung“ ebenso wie ich mitorganisiert, davon begeistern können. In dem Workshop Angebot wollten wir die Methodik an die Teilnehmenden vermitteln und mit ihnen weitere Erfahrungen sammeln.

Welche Farben, Formen und Bilder verbinden Menschen mit abstrakten Begriffen wie zum Beispiel Zukunft?

Wenn du die Zukunft als Farbe, Form, Person, etc. darstellen würdest, wie würde sie aussehen? Wer (unkonkret) oder was könnte sie für dich verkörpern? Diese Frage habe ich schon an einige Menschen aus meinen Umfeld gestellt. Ich erhielt bereits spannende Antworten, die ich jedoch bisher nur schriftlich aufbewahre.

Der bildlichen Annäherung von Begriffen ist für mich eine Methode, zu erforschen, welche Empfindungen Menschen mit diesen Begriffen verbinden und wie sie diese in Bildern wiedergeben.

Ich stelle mir drei begehbare Räume (Installationen) vor: einen Vergangenheit-Raum, einen Gegenwart-Raum und einen Zukunft-Raum. In jedem der Räume werden die von den befragten Personen genannten Farben, Formen und Bilder dargestellt. Wie würden solche Räume aussehen? Wie würde man sich in den Räumen bewegen?

Wichtig ist es mir hierbei, dass die genannten Bilder abstrakt bleiben, um so weniger auf klare Erinnerungen bzw. Vorstellungen zurückzugreifen und eher intuitive Antworten zu erhalten, die Empfindungen beschreiben.

Liegt in dieser Ausdrucksform eine Chance, sich über die Zeitwahrnehmung oder eher über die Zuschreibungen der drei Dimensionen bewusst zu werden? Diese Idee ist noch im Anfangsstadium. Gerne würde ich auch weitere Begriffe untersuchen. Ich freue mich sehr über Ideen, Fragen und Kritik.

Zu den Personen: Wir sind Hanna und Pauline. Im vergangenen Jahr hat unser Interesse für experimentelles Zeichnen und Fotografieren uns auf spannende Wege geführt.

In diesem Workshop geht es um die Verbindung von Sinnen mit Improvisation. Wir werden unsere Aufnahme von Sinnes-Eindrücken vergrößern, die Sinne öffnen, um daraus Inspirationen für Improvisationen zu generieren. Um zu sehen, was da ist, müssen wir alte Vorstellungen loslassen, das "Wissen, wie die Dinge sind". Wir werden versuchen, einige der Schutzmauern, die wir in unserem täglichen Leben errichten, aufzuweichen und wirklich "berührt" zu werden von dem, was wir erleben. Wir öffnen uns für alle Informationen der Umgebung (Menschen, Dinge, Handlungen,...) ebenso wie für die Informationen im Inneren (Gedanken, Impulse, Gefühle,...). Diese Offenheit verbindet uns tief mit dem gegenwärtigen Moment. 

Durch Sprache, Bewegung und Klang geben wir dann unserer Wahrnehmung Ausdruck: Es entstehen theatrale Interaktionen.

Vorkenntnisse sind nicht nötig, nur die Bereitschaft, sich von selbst und anderen überraschen zu lassen!

Zur Person: Tabea Gregory lebt seit ihrem Studium der Philosophie, Kultur und Kunst als freischaffende Künstlerin und Theaterpädagogin in Witten. Sie ist international ausgebildet in Improvisationskunst, u.a. bei Ruth Zaporah (New Mexico), BATS Improv (San Francisco), TAANTheatro (São Paulo), und realisiert eigene Performances mit Klang, Tanz, Theater-Improvisation. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit arbeitet sie als Yogalehrerin und erforscht die Aktivierung der Sinne mit Social Presencing Theater.​

Ein ungewöhnliches Instrumentarium aus Stein, Wasser, Kupfer, Holz, Eisen, Glas und handgeschmiedeten Bronzegongs,
ein Musiker mit einem Gespür für Nachklang und Stille,
ein warmer und lärmfreier Raum,
für das Publikum ein ungestörtes Hören und Lauschen im Sitzen oder Liegen, vorzugsweise mit geschlossenen Augen. 

DAS GESCHEHEN:

In welcher Abfolge das unterschiedliche Material im Konzert erklingen wird, ist festgelegt. Nicht festgelegt dagegen ist die Art der Klangerzeugung, die eine Auswirkung hat auf die Klänge und das Klangempfinden. Die Dynamik, die Ausgestaltung und der Ausdruck entspringt improvisatorisch dem Moment "vom Gewesenen zum Gegenwärtigen". Diese Art Konzert kennt keine starken Brüche sondern Übergänge der Stille. Und manchmal lassen die Klänge hören, auch wenn sie in der Stille schon längst nicht mehr hörbar sind. 

DIE HÖRENDEN:

In einem Zustand zwischen Entspannung und Konzentration folgen sie ihrer Wahrnehmung. Ob sie den "sound" als eine Klanggestalt sehen, Bilder und Geschichten entwickeln im Wechsel der Klänge, ob sie sich hörend entspannen im Feld zwischen Bewegung und Stille, ob sie sich in einen meditativen Zustand begeben und / oder konzentriert eine Wahrnehmung über ihr eigenes Hören entwickeln, .......... bleibt der individuellen Entscheidung und dem Moment überlassen.

Weitere Infos

Vergessen! Auf dem Küchentisch müsste er liegen, gleich neben der verschmähten Hälfte des hastig geschmierten Vernunftsbrotes und dem lichtdurstigen Fujicolor-Film, herausgekramt in verheißungsvoller Vorahnung. Sein Gang verlangsamt sich. Während er versucht, die Nuancen seines fein ausbalancierten Plans wachzurufen hält er den gedächtnislosen Sucher an sein Auge. Blinzelt. Springt! Das Philipp Trio ist der prototypische Realisationsversuch einer klangorganisierenden künstlerischen Intelligenz, entwickelt von einem interdisziplinären Team unabhängiger Wissenschaftler. In Gestalt seiner Schöpfer begibt sich das selbstlernende neuronale Netz auf explorative Klangexkursionen, seine Sensorik für den Sound der Zeit verfeinernd.

Leon Philipp—Bass

Philipp Bracht—Schlagzeug

Ruben Philipp—Klavier